<body><script type="text/javascript"> function setAttributeOnload(object, attribute, val) { if(window.addEventListener) { window.addEventListener('load', function(){ object[attribute] = val; }, false); } else { window.attachEvent('onload', function(){ object[attribute] = val; }); } } </script> <div id="navbar-iframe-container"></div> <script type="text/javascript" src="https://apis.google.com/js/plusone.js"></script> <script type="text/javascript"> gapi.load("gapi.iframes:gapi.iframes.style.bubble", function() { if (gapi.iframes && gapi.iframes.getContext) { gapi.iframes.getContext().openChild({ url: 'https://www.blogger.com/navbar.g?targetBlogID\x3d21489817\x26blogName\x3ddesignthesys\x26publishMode\x3dPUBLISH_MODE_BLOGSPOT\x26navbarType\x3dSILVER\x26layoutType\x3dCLASSIC\x26searchRoot\x3dhttp://designthesys.blogspot.com/search\x26blogLocale\x3des_ES\x26v\x3d2\x26homepageUrl\x3dhttp://designthesys.blogspot.com/\x26vt\x3d206082041433017405', where: document.getElementById("navbar-iframe-container"), id: "navbar-iframe" }); } }); </script>

designthesys

Everything is design. Everything!


MAD

El Museum of Arts and Design MAD de New York inaugurará el próximo 27 de septiembre su nueva sede en el número 2 de Columbus Circle, en el ángulo suroeste de Central Park, con un programa de exposiciones sumamente interesante.

MAD

Second Lives: Remixing the Ordinary presenta el trabajo de 50 artistas internacionales que han creado objetos e instalaciones utilizando artículos manufacturados de uso cotidiano. La muestra incluye el trabajo de diseñadores muy conocidos como Ingo Maurer, Tejo Remy, y los hermanos Campana, así como piezas de artistas de renombre internacional como Tara Donovan, Xu Bing, El Anatsui, y Do Ho Suh. La exposición investiga el rico paisaje de buena parte del arte contemporáneo, en el que se hace caso omiso de las jerarquías entre arte, arte aplicado y diseño. Por otro lado, examina la manera en que los artistas transforman nuestro mundo, responden a los paradigmas culturales contemporáneos y reflejan el consumismo global.

Permanently MAD: Revealing the Collection presentará aproximadamente 250 trabajos de la colección permanente del Museum of Arts and Design, ofreciendo una selección de piezas de cerámica, cristal, madera, metal, fibras o materiales diversos. Muchas de las piezas se exponen por primera vez en esta ocasión.

El edificio que albergará el Museo ha tenido una historia controvertida. El arquitecto Edward Durell Stone diseñó la Galería de Arte Moderno original para albergar la colección de Huntington Hartford en 1964. El edificio de Stone, inicialmente menospreciado, fue ganando adeptos con el tiempo, incluyendo a Tom Wolfe o a los historiadores de arquitectura Vincent Scully y Robert A. M. Stern. Sin embargo, sus argumentos no convencieron a la Comisión de Conservación para celebrar una audiencia sobre la posibilidad de preservar el edificio, por lo que la transformación siguió adelante.

Con excepción de los emblemáticos soportes en forma de lollipops, todo el diseño del edificio original ha sufrido una notable transformación bajo la dirección de Brad Cloepfil de Allied Works Architecture. Con una superficie total de más de 580.000 metros cuadrados, el MAD ha duplicado sus espacios para ofrecer la posibilidad de dedicar una superficie mayor a la colección permanente y de aumentar drásticamente su programa de exposiciones temporales. El diseño de Allied Works abre la piel del edificio original con tres cortes transparentes que encuentran continuidad a través de suelos y techos para conseguir un sentido unificado del espacio y una conexión visual entre las galerías.

Sin duda una espléndida cita tras un agradable paseo por Central Park.

MiniMan

Las minifiguras de LEGO celebran estos días su 30 cumpleaños. Cuando fueron creadas en 1974, estas pequeñas figuras añadieron una nueva dimensión al juego original, permitiendo a los niños interactuar mediante personajes distintos con sus creaciones LEGO.



Las figuras amarillas originales estaban realizadas a la misma escala que las actuales. Sin embargo, no disponían de brazos móviles, las piernas eran una única pieza no articulada con el cuerpo y las cabezas no presentaban ojos ni boca. Las primeras minifiguras modernas fueron lanzadas al mercado hace ahora 30 años, el 25 de agosto de 1978. Se trataba de siete figuras diferentes incluidas en sus series Castle, Space y Town. Las cabezas tenían una expresión facial simple realizada mediante la aplicación de dos puntos negros para representar los ojos y una sonrisa amable, también realizada en negro. La premisa inicial de la compañía era que las figuras debían expresar alegría y neutralidad, sin rasgos de raza, sexo o religión. La llegada al mercado de varias figuras de la serie piratas en 1989 vino a modificar esta directriz. Además de presentar diferentes expresiones faciales, los piratas incorporaban garfios en lugar de manos y, como cabía esperar, patas de madera. Posteriormente, en 1998, aparecieron las primeras figuras con colores de piel reales en lugar del característico color amarillo.

Desde entonces la evolución de las minifiguras ha sido enorme. "Ahora están muy elaborados y detallados, como los de Bob Esponja, La Guerra de las Galaxias o Batman", ha explicado Debra Smith, coordinadora de comunicación para la mercadotecnia de LEGO en Pittsburgh (Pensilvania) al rotativo The Morning Sun.

Desde su creación, más de cuatro mil millones de minifiguras pueblan el planeta, lo que representa, para hacernos una idea de su rotundo éxito, 3 veces la población de China.

Más que una pieza o un componente, sin duda se trata de un icono social que ha sabido adaptarse al complejo y cambiante universo infantil.

Uno de mis juguetes preferidos.

World Industrial Design Day

El próximo domingo 29 de junio se celebrará el primer Día Mundial del Diseño Industrial.

Poster by Uwe Loesch

Con esta iniciativa, el Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial Icsid conmemora la efemérides de la creación de la organización y propone una ocasión para explorar el desarrollo y la evolución del Diseño Industrial, acentuando su relevante papel en la mejora económica, social, cultural y ambiental de nuestro entorno.

"Una iniciativa para involucrar a la comunidad de diseñadores en un movimiento unificado para promover un mejor entendimiento del Diseño Industrial y resaltar su impacto en la calidad de vida de las personas", dijo en Montréal el Profesor Carlos Hinrichsen, Presidente del Icsid.

A pesar de que varias organizaciones de todo el mundo se han sumado prontamente a la iniciativa, en España hasta el momento ha tenido muy escasa repercusión. Por ello, este experimento ha decidido sumarse a la celebración animando también a los diseñadores de nuestro entorno a "utilizar su creatividad, innovación, visión y pasión para promover el reconocimiento del papel estratégico que el Diseño Industrial y los Diseñadores tienen en la sociedad."

Jesus Switch

Un colega me ha remitido la imagen del interruptor que les presento a continuación.

Photobucket

Después de haber visto cómo un 'memory stick' con la figura de la Virgen María y diseñado por Luis Eslava Aloy obtenía un Delta de Plata en la pasada edición de los prestigiosos premios ADI-FAD, ya parece que en esto del diseño-espectáculo cualquier ocurrencia es automáticamente elevada a los altares de la creatividad más excelsa.

Photobucket

Por eso me ha resultado muy divertido ver que no es la primera vez que imágenes religiosas son directamente implementadas sobre productos de consumo. A pesar de que la imagen se halla ampliamente comentada en Gizmodo, no he podido encontrar muchos datos sobre este innovador Jesuswitch. En Jesus of the Week refieren que una colaboradora llamada Natalie hizo una fotografía a un modelo idéntico en casa de la abuela de su marido. Deduzco que se trata de un modelo americano de los años 50 o 60, moldeado en algún tipo de resina termoestable.

La leyenda que aparece encima de la maneta reza "Honor thy father and mother". Sin lugar a dudas, mucho más devota que la petición que Luis Eslava ha diseñado sobre la corona dorada que porta su Virgen: "Oh Maria keep my data safe".

Desde luego, no hay color...

Cine y Diseño

Diseños de Cine

Hace ya muchos años (en 1987 creo recordar) asistí a un curso de verano de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo titulado ‘Arquitecturas del Cine’. Dirigido por el columnista Juan Cueto, el curso reunió en el Palacio de la Magdalena de Santander a un interesante y dispar grupo de historiadores, cineastas, arquitectos, escenógrafos y diseñadores para tratar de la enriquecedora y compleja relación entre el cine y la arquitectura. Los arquitectos Quim Larrea y Juli Capella, directores por aquella época de la revista DeDiseño, se encargaron de coordinar la participación del diseñador Javier Mariscal con una ponencia titulada ‘Diseños de Cine’. Para hacer honor a la verdad, la sesión fué un rotundo fracaso.

Javier Mariscal inició la charla expresando su perplejidad por la invitación a participar en el curso y manifestando a la sorprendida audiencia: "en realidad, no sé qué queréis que os cuente...". En su papel de ‘enfant terrible’, ofreció una improvisada, divertida y alocada disertación sobre el carácter visceral, casi digestivo, de su proceso creativo y sobre las confusas influencias que el cine, el comic o el arte han ejercido sobre su trabajo.

A la vista del cariz que tomaba la sesión, Quim y Juli intentaron salvar los papeles en la mesa redonda posterior a la alocución aunque, todo hay que decirlo, con escasa fortuna. En realidad ninguno de ellos había preparado de manera mínimamente aceptable su intervención en auxilio del diseñador- estrella.

Terminada la sesión, los alumnos, que desconocían el carácter de Mariscal y el alcance teórico del diseño español de aquel entonces, se sintieron tan profundamente decepcionados que remitieron a Juan Cueto una airada nota de protesta por la inclusión de frívolos diseñadores que sólo saben contar anécdotas en un curso académico universitario. El mismo Mariscal reconocía recientemente en una entrevista que entonces "todo era un poco desastroso y yo me sentía muy mal, no sabía explicar por qué hacía las cosas, mi metodología era fatal."

No obstante, y a pesar de esta divertida anécdota, el diseño y el cine han producido sinergias estimulantes y enriquecedoras. Buena prueba de ello es la frutífera colaboración de Mariscal con el cineasta Fernando Trueba. La creación de la soberbia imagen gráfica de su película Calle 54 en el año 2000 abrió el camino a una serie de notables realizaciones como el interiorismo de Calle 54 Club o las carátulas de los discos de la productora Calle 54 Records.

La compleja y apasionante relación entre cine y diseño nos ha dejado también momentos inolvidables en una extensa lista de películas. Desde el expresionismo crepuscular y fascinante de ‘Metrópolis’, hasta la atmósfera hipnótica y tenebrosa de ‘Blade Runner’, el cine ha sabido rodearse de diseñadores visionarios que han dibujado un gran número de escenarios futuros que son ya presentes.

Metropolis

La búsqueda del ser artificial nos conduce desde la hermosa María de ‘Metrópolis’ hasta David, el meca de ‘Inteligencia Artificial’, pasando por los replicantes, más humanos que los humanos, de ‘Blade Runner’ o por el fascinante e inacabado personaje de ‘Eduardo Manostijeras’. Todos los analistas coinciden en que hemos entrado ya en una nueva era. Donald Norman afirmaba en su último libro que "las máquinas son ya inteligentes y cada vez lo son más. Están desplegando habilidades motrices y pronto tendrán afecto y emociones". La realidad está inspirándose cada vez más en la ficción cinematográfica.

Asimo Humanoid Robot

Pero también el cine se inspira de manera muy importante en el diseño. El enigmático "soy diseñadora industrial" de Eva Marie Saint a Cary Grant, los visionarios edificios de Étienne-Louis Boullée bajo el influjo de ‘el vientre del arquitecto’ o los proyectos sospechosamente similares a los de Frank Lloyd Wright en manos de un vanguardista y apasionado Gary Cooper en ‘el manantial’ representan otros tantos hitos imprescindibles de este territorio común.

Territorio donde el diseño de automóviles está también muy presente. Los spinners, los vehículos voladores que diseñara el artista conceptual Syd Mead para ‘Blade Runner’, el Lexus que conduce Tom Cruise por las carreteras futuristas de ‘Minority Report’, el original Messerschmitt KR 175 de ‘Brazil’, diseñado en 1953 por el ingeniero aeronáutico Fritz Fend, o el visionario automóvil de Preston Tucker muestran la necesidad de explorar en profundidad el conocimiento existente sobre la intersección entre el cine y el diseño.


Cinema for Designers

Quien quiera triunfar en los negocios debería invertir más tiempo en ver los clasicos de Hollywood que en asistir a cursos de Management. Esta es la sorprendente recomendación de cuatro consultores de empresa italianos -Francesco Bogliari, Sergio Di Giorgi, Marco Lombardi y Piero Trupia- que han intentado demostrar la relación existente entre el cine y la ciencia empresarial en su libro ‘Cinema for Managers’.

La lista de las 50 películas analizadas por los autores incluye títulos tan famosos y emblemáticos como ‘Lolita’, de Stanley Kubrick, o ‘Volver’ de Pedro Almodóvar. "Todas las buenas películas nos enseñan lecciones sobre el comportamiento humano", declaraba Francesco Bogliari, catedrático de Administración de Empresas de la Universidad de Roma. "Las películas no son sólo un simple entretenimiento", aseguraba en una entrevista aparecida en The Times el pasado mes de julio.

La verdad es que, si atendemos a la calidad y la riqueza conceptual de alguno de los manuales de gestión empresarial que tan insistentemente se promocionan en los aeropuertos de medio mundo, parece razonable recomendar a los directivos que se olviden de sus lecturas profesionales y vayan más al cine.

El premio Nobel de Economía en 2006, Edmund Phelps, aseguró durante la entrega de este galardón que el cine ha sido una de sus grandes fuentes de inspiración. Estoy seguro que esto es igualmente cierto para un gran número de diseñadores.

Blade Runner

No obstante, si tuviera que elegir las películas que más han atraido e inspirado a los diseñadores, la lista sería ciertamente diferente de la elaborada por los consultores italianos. Sin intención de confeccionar en este escueto apunte una lista cerrada y definitiva, adjunto les presento una primera pincelada sobre las complejas y enriquecedoras relaciones entre el cine y el diseño:

Metrópolis (Metropolis), Fritz Lang, 1927.
Un perro andaluz (Un chien andalou), Luis Buñuel, Salvador Dalí, 1929.
Tiempos modernos (Modern times), Charles Chaplin, 1936.
La Bella y la Bestia (La Belle et la Bête), Jean Cocteau, 1946.
Alien, el octavo pasajero (Alien), Ridley Scott, 1979.
Blade Runner (Blade Runner), Ridley Scott, 1982.
Brazil (Brazil), Terry Gilliam, 1985.
Eduardo manostijeras (Edward Scissorhands), Tim Burton, 1990.
2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey), Stanley Kubick, 1968.
Matrix (The Matrix), Andy Wachowski, Larry Wachowski, 1999.
La Guerra de las Galaxias (Star Wars), George Lucas, 1977.
El tormento y el éxtasis (The agony and the ecstasy), Carol Reed, 1965.
El manantial (The Fountainhead), King Vidor, 1949.
Con la muerte en los talones (North by Northwest), Alfred Hitchcock, 1959.
El sol del membrillo (El sol del membrillo), Victor Erice, 1992.
La naranja mecánica (A Clockwork Orange), Stanley Kubrick, 1971.
Muerte en Venecia (Morte a Venezia), Luchino Visconti, 1971.
Fitzcarraldo (Fitzcarraldo), Werner Herzog, 1982.
La gran evasión (The Great Escape), John Sturges, 1962.
El mago de Oz (The wizard of Oz), Victor Fleming, 1939.
El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract), Peter Greenaway, 1982.
El vientre del arquitecto (The Belly of an Architect), Peter Greenaway, 1987.
Manhattan (Manhattan), Woody Allen, 1979.
Dune (Dune), David Lynch, 1984.
El quinto elemento (The fifth element - Le cinquième élément), Luc Besson, 1997.
Tucker (Tucker: the Man and His Dream), Francis Ford Coppola, 1988.
El Aviador (The Aviator), Martin Scorsese, 2004.
A.I. Inteligencia Artificial (A.I. Artificial Intelligence), Steven Spielberg, 2001.
Minority Report (Minority Report), Steven Spielberg, 2002.
Yo, Robot (I, Robot), Alex Proyas, 2004.
...

Y es que, como afirman los organizadores de la tercera conferencia Design and Cinema que se celebrará en la Istanbul Technical University en noviembre de 2008,
"form follows film"

European Design

La clasificación europea del diseño según los resultados de Google:

Italian design

744.000

Danish design

510.000

Dutch design

375.000

British design

309.000

German design

212.000

French design

204.000

Swedish design

144.000

Finnish design

115.000

Swiss design

112.000

Spanish design

60.800

Belgium design

38.700

Austrian design

34.500

Norwegian design

33.700

Greek design

30.900

Irish design

28.800

El Peine del Viento

Visitar el Peine del Viento durante los fuertes temporales de comienzos del otoño, a esa hora incierta de la tarde en que la luz reverbera en la espuma y arranca reflejos imposibles al acero, es una de las experiencias estéticas más estimulantes y enriquecedoras que puedan disfrutarse.

Entre la niebla y la lluvia, el mar retumba en las rocas alzando columnas de espuma hacia un cielo verde y gris. Bajo las piedras de la plaza casi se escucha la respiración del leviatán. Mientras, el viento traza sombras de agua sobre los poderosos tentáculos de acero y descubre raices de árboles ancestrales al pie del acantilado.

Este privilegiado lugar, ubicado en el extremo de la bahía de San Sebastián, fue el resultado de la colaboración de dos creadores excepcionales: Eduardo Chillida, autor del enigmático conjunto escultórico y Luis Peña Ganchegui, arquitecto de la plaza escalonada que sirve de antesala y mirador a la obra.

A pesar de que ha quedado integrado desde hace mucho tiempo entre las grandes señas de identidad de la ciudad, el Peine del Viento no había sido todavía inaugurado oficialmente.


Photo Sharing and Video Hosting at Photobucket

Un emotivo acto ha venido a llenar el vacío social e institucional que rodeó a la obra: El Peine del Viento fue finalmente inaugurado el pasado domingo, treinta años después de su colocación en el extremo de la playa donostiarra de Ondarreta.

Treinta años: el tiempo que tardan nuestras instituciones en aceptar proyectos innovadores y arriesgados, audaces y provocadores.




Powered by Blogger | Blogger Template by Gecko and Fly